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Jean-Baptiste Lully (1632-1687)

Né dans un milieu modeste, mais très tôt au fait de la pratique musicale, Lully entre en 1646 au service de Mademoiselle de Montpensier, qu'il quitte à vingt ans pour la Musique du roi. S'affirmant d'abord comme baladin (Ballet de la nuit, 1653), il acquiert rapidement une double réputation de violoniste et de compositeur, est nommé surintendant et compositeur de la chambre (1661), crée la bande des Petits Violons (par opposition aux 24 Violons du roi), devient sujet français. C'est le début d'une carrière fulgurante, où la faveur royale et une fortune soigneusement gérée lui permettent de consacrer son intelligence et son énergie toujours en éveil à l'oeuvre de sa vie: l'élaboration de l'opéra français à partir des différents éléments existants: ballet de cour (oeuvre collective), pastorale et divertissement, comédie-ballet.

Lully collabore avec Molière pour le Mariage forcé, Monsieur de Pourceaugnac, les Amants magnifiques, Le Bourgeois Gentilhomme, L'Amour médecin, Georges Dandin, la Princesse d'Elide. En 1672, il se fait accorder par lettres patentes le privilège exclusif pour la fondation de l'"Académie royale de musique", privilège dont les détenteurs, Perrin et Cambert, étaient en faillite. Il signe un contrat avec Philippe Quinault: ce dernier devra fournir le texte d'un opéra par an. Enfin, dès la mort de Molière, il se fait attribuer la salle du Palais-Royal. Cadmus et Hermione, Alceste, Thésée, Atys, Isis, Bellérophon (avec Thomas Corneille et Fontenelle), Proserpine, le Triomphe de l'Amour (apparition des premières ballerines), Persée (à la machinerie remarquable), Phaëton, Amadis, Roland, Armide, Acis et Galatée (avec Campistron) jalonnent la période qui s'étend de 1673 à 1687. Lully meurt en pleine activité des suites d'un coup de canne malencontreux.

Comme les peintures de Le Brun ou les tragédies de Racine, l'opéra lulliste est d'abord un art de charme, d'élégance et de majesté, conçu pour plaire au roi. Le fondement en est le récitatif imité de "la comédie sur les tons de la Champmeslé" (Lecerf), ponctué par les airs, charpenté par l'ouverture à la française (lent-vif-lent), les symphonies de danses et les choeurs. Le charme flexible des airs (Lully en "laissait venir" plusieurs et retenait le meilleur), l'orchestre bien dessiné (opposition bois-tutti ou voix-instruments, option pour la flûte traversière) et la puissance des ensembles (passacailles finale avec choeurs) en sont caractéristiques. En tant que pédagogue, on doit à Lully la formation très poussée de la troupe de l'Opéra: chanteurs, danseurs, instrumentistes, dont la qualité se maintient encore de nos jours.

L'opéra lulliste, peu éloigné dans sa forme et dans son caractère de celui de Purcell, sera celui de Rameau et même de Glück, tandis que le principe de l'ouverture et celui de ses symphonies exerceront une grande influence sur l'évolution de la musique symphonique.

Le site http://sitelully.free.fr/ dont toutes ces notes proviennent, consacre de courts articles aux multiples facettes du personnage :

Le musicien : Guitariste, Violoniste, Claveciniste

Le chef d'orchestre

Le comédien

Le danseur

Le chorégraphe

Le chanteur

Le compositeur

Le parolier

Le metteur en scène

et, pour finir.... L'homme d'affaires, cité intégralement ci-dessous :

Lully menait de front ses diverses entreprises: l'Académie Royale de Musique, la création annuelle de ses opéras, quand ne s'y ajoutait pas la composition de ballets ou motets. La fonction de Surintendant de la Musique de la Chambre requérait des compétences tant administratives qu'artistiques. L'emploi englobe le recrutement des acteurs, chanteurs, danseurs, instrumentistes, l'écriture et le choix des ballets, divertissements, tragédies lyriques, musique de chambre, la présidence des répétitions, la direction des représentations.

Bourreau de travail, Lully dirigeait en outre l'opéra du Palais Royal à Paris. Est-il peut-être nécessaire de rappeler que l'opéra était à l'époque une entreprise privée, non subventionnée par l'Etat. S'étant fortement endetté pour racheter le privilège de l'opéra à Perrin, il réussit à obtenir la garantie que représentait le monopole absolu de toute représentation musicale de plus de deux chanteurs et deux musiciens dans le royaume. Il put ainsi rentabiliser son investissement périlleux, à l'abri de toute concurrence. Il accepta néanmoins quelques exceptions notamment au profit du théâtre de Pierre Gautier à Marseille, ou encore au profit de Molière, qui put jouer son "Malade Imaginaire" sur la musique de Marc-Antoine Charpentier, malgré de nombreuses restrictions.

En bon gestionnaire, il savait où étaient ses priorités: s'il payait largement ses collaborateurs, pour que ces derniers lui soient attachés, il pouvait cependant se montrer moins généreux pour les choses qu'il jugeait secondaires. Ses choix se sont avérés judicieux puisqu'il réussit à faire de cet opéra une affaire florissante, qui connut, après son décès, de nombreuses affres financières.

(Source : http://sitelully.free.fr)

Le premier Centre Culturel Irlandais de Paris se trouve dans le magnifique bâtiment du Collège des Irlandais, 5, rue des irlandais, tout proche du Panthéon. Il offre une ouverture sur la culture irlandaise contemporaine en plein cœur de Paris. L'ouverture d'un Centre Culturel Irlandais dans une ville porteuse d'un héritage aussi prestigieux que l'est Paris constitue un sentiment de confiance en la puissance et la richesse du patrimoine culturel irlandais contemporain. L'histoire des Irlandais à Paris se décline comme un roman d'aventure et il est clair que les Irlandais ont joué un rôle dans l'histoire de Paris et de ses citoyens. Il est tout à fait évident qu'il faut commémorer cette contribution mais aussi assurer sa pertinence future dans le sanctuaire de la rue des Irlandais. L'Irlande et la France ont, dans leurs passés respectifs, de nombreux points communs. Les deux pays font également partie d'une alliance future et une fois de plus, le Collège des Irlandais, grâce au Centre Culturel Irlandais, jouera un rôle primordial dans cet avenir.

La raison d'être du Centre Culturel Irlandais est de présenter un large éventail de formes artistiques, dont les arts plastiques, le cinéma, la littérature, la musique et des combinaisons de toutes ces activités. Les logements prévus pour 45 personnes, choisies parmi des étudiants, des artistes, des écrivains - qui bénéficieront de leur séjour à Paris - donnent au Centre Culturel Irlandais une occasion unique de créer une communauté vivante dans laquelle l'échange et le dialogue font partie de la vie quotidienne.

Centre Culturel Irlandais (direction Sheila Pratschke)

5, rue des Irlandais 75005 – Paris - Tél. : (33) 01 58 52 10 30

www.centreculturelirlandais.com

Pour tout renseignement sur l’Irish Chamber Choir of Paris

A.-S. Delhomeau - 01 58 52 10 30 : asdelhommeau@centreculturelirlandais.com

Jean-Charles Léon, directeur artistique du chœur : 06 09 89 39 43 : jcleon@wanadoo.fr

L’ICCP recrutera quelques chanteuses pour ses prochains programmes : septembre 2012, Vespres de Jacques Duponchel (17^e), janvier 2013,  Messe de Henri Madin, motet de Jean-Sébastien Bach, Gloria de Vivaldi.

Pour tout renseignement, contacter Jean-Charles Léon.

Charles Mouton (1617-1699 ?)

Luthiste et compositeur, certainement originaire de Rouen. Pour tout dire, on ne sait pratiquement rien de la vie de Charles Mouton. La tradition veut qu'il ait été l'élève de Denis Gaultier et avoir débuté sa carrière à la cour de Savoie à Turin. Aucun document tangible ne peut conforter ces faits. Sa réputation semble être bien établie vers 1656. Il est à Paris vers 1664 et enseigne le luth à des élèves de marque. Il est de nouveau à Turin en 1673. Revient à Paris vers 1778, où il publie deux livres de pièces pour luth sur différents modes vers 1679 et 1680. Actif dans les milieux aristocratiques parisiens, il l'aurait peut-être été dans ceux de l'aristocratie de Bohême.

Catalogue des œuvres

Pièces de luth sur différents modes, Paris, édition à compte d'auteur. D'après le catalogue de l'imprimeur de musique Étienne Roger (Amsterdam 1716) il y aurait eu 4 livres. On ne connaît que les Livres 1 et 2 avec 29 pièces. Chacun des livres comporte une introduction au luth. On trouve d'autre pièces en partie imprimées conservées dans diverses bibliothèques : 16 pièces à la Bibliothèque nationale de France, manuscrit Barbe et 24 dans le manuscrit Milleran, «avec ou sans doubles», avec des arrangements de pièces de Lully extraites de Bellérophon, Proserpine, Le Triomphe de l'Amour, Psyché et  Isis). On en trouve encore à la bibliothèque municipale de Besançon (manuscrit Vaudry de Saizenay), à la Deutsche Staatsbibliothek Berlin (Mus. mss. 40627 ; 40633), à la Bibliothèque Lobkowitz à Raudnitz, à la Stadtbibliothek d'Augsburg, et à l'Institut de Recherches historique au monastère de Saint-Florian.

Pour aller plus loin, on peut consulter les ouvrages suivants :

Écrits relatifs à la musique : Instruction sur le luth (préface à ses pièces de Luth sur différents modes) Paris av. 1699, rééd., Amsterdam, E. Roger vers 1716)

Éditions modernes : Pièces de luth sur différents modes. Premier et deuxième livres. Genève, Minkoff 1978 [introd. de François Lesure, reprod. de l’éd. de v. 1698, 2 v. en 1 v., 16°, 160 p.] Réédition de ses œuvres par le CNRS, Paris

Silvio Leopold Weiß (1687-1750)

Silvio Leopold Weiß fut un grand joueur de luth, né à Groetkau, un petit village de Silésie, en 1687. Son premier maître fut son père qui le forma si bien qu'il joua à l'âge de 7 ans devant l'empereur Léopold. En 1710, il partit pour Rome après avoir sillonné l'Allemagne et attiré l'attention des foules.

En 1718, il fut nommé à Dresde par le roi August II. Le grand artiste peut en quelque sorte être appelé le père du luth car il lui donna une nouvelle forme. Il le fit passer de 11 à 13 chœurs (cordes), lui donna un manche en théorbe, et il apparaît, grâce à lui, dans les plus grands concerts.

Ses compositions sont plus remarquables que les autres. Ceux qui disent que les compositions sont trop difficiles sont soit trop insouciants/négligents soit trop vieux, ou ils s'intéressent à un autre instrument ; les partitions sont également difficiles à trouver car leur auteur rechignait à les diffuser. Celui qui en possède une grande collection doit la considérer comme un trésor inestimable. Son toucher était très doux et qui l'entendait se demandait d'où venaient les tonalités. Il était incomparable en imagination et dominait le piano et le forte. En un mot, il maîtrisait son instrument et en faisait ce qu'il voulait. Son œuvre se divise en solos, trios, grands concerts, Tombeaux (celui dédié au comte de Lochi est incroyable), et il ne reste que quelques pièces galantes. Il mourut en 1750 et avec lui le monde a perdu le plus grand luthiste que l'Europe a jamais entendu et admiré.

(Source : Handlexicon, c.1644f)

Brittany Mélodies :

2002-2012, 10 ans de musique classique à Pordic

7ème Festival de Pordic

du 21 au 26 août 2012 

VENDREDI 24 AOUT |20h30| Centre Culturel de la Ville Robert

Clarinette et piano, ou le vent du romantisme

par Pierre Génisson, clarinetteet François Dumont, piano

Jean Françaix (1912−1997)

Tema con variazioni (1974)

Johannes Brahms (1833−1897)

Sonate Op.120 N°2 en mi bémol majeur (1894)

Gioacchino Rossini (1792−1868)

Introduction, thème et variations (1809)

Carl Maria von Weber (1786−1826)

Concerto N°1 Op.73 (1811) (version avec piano)

Le concert retracera, en quelque sorte à rebours, l’histoire de la clarinette, de la période contemporaine (le festival de Pordic fête le centenaire de Jean Françaix, né en 1912) jusqu’à son aube au début du XIXème (G. Rossini, C.M. von Weber) en passant par la Deuxième sonate de Brahms.

Né en 1986, Pierre Génisson débute ses études musicales à Marseille puis se perfectionne au conservatoire de Rueil-Malmaison, avant d’intégrer en 2005, le Conservatoire National Supérieur de Paris. En 2009, il y obtient le Premier prix de clarinette, mention très bien, à l'unanimité ; il est alors invité par la Maison Vandoren pour représenter la France à l’International Clarinet Association en 2010 aux USA. En 2007, Pierre Génisson est nommé clarinette solo de l'Orchestre de Bretagne - dirigé par Olari Elts et Lionel Bringuier - avec lequel il participe à de nombreux festivals (Folles Journées de Nantes, Festival Berlioz, Flâneries de Reims…) et aux enregistrements. Depuis 2010, il est clarinette solo invité à l'Orchestre Philharmonique de Rotterdam que dirige Yannick Nézet-Seguin. En musique de chambre, Pierre Génisson a joué avec Thierry Escaich, Franck Braley, François Dumont, l’Elegiac Trio... Il a aussi été l’invité de nombreux festivals tels Aix-en-Provence, Dinard, le Clarinet Fest d’Austin (Texas) ou l’Encuentro de Musica de Santander (Espagne). Comme soliste, Pierre Génisson s'est produit notamment dans le Concerto pour clarinette et orchestre de Mozart, le Duet-concertino pour clarinette et basson de Strauss et Le Chant des ténèbres de Thierry Escaich. Pierre Génisson a triomphé le 30 mars 2011 pour sa première apparition sur la scène de la Philharmonie de Berlin dans la Rhapsodie de Debussy et le Double concerto pour clarinette et alto de Max Bruch  avec le Deutsches Symphonie Orchester Berlin. En juin 2011, Pierre Génisson devenait lauréat du Prix jeune talent du Festival Musique et Vin au Clos Vougeot organisé en partenariat avec les solistes du Métropolitan Opera de NYC avec lesquels il se produit.

Pierre Génisson joue une clarinette Buffet Crampon «Tosca» dotée de anches et bec Vandoren.

François Dumont est Lauréat des plus grands concours internationaux : le concours Reine Elisabeth à Bruxelles en 2007 et, en 2010, le Concours Chopin de Varsovie dont le jury, à l'occasion du bicentenaire, réunissait notamment Martha Argerich et Nelson Freire. Il est également lauréat des concours Clara Haskil en Suisse, Hamamatsu au Japon, Concours Européen de piano, Premier Prix des Concours Jean Françaix et Steinway, Grand Prix de piano de la  Spedidam. Il est nominé aux Victoires de la musique en 2011, dans la catégorie “soliste instrumental”. Né en 1985, François Dumont est formé par Chrystel Saussac au Conservatoire de Région de Lyon avant d'être admis à l'âge de quatorze ans au C.N.S.M.D de Paris où il travaille avec Bruno Rigutto et Hervé Billaut. Il se perfectionne auprès de Murray Perahia, Menahem Pressler, Leon Fleisher, Dmitri Bashkirov, Paul Badura-Skoda, William Grant Naboré, Andreas Staier, Pierre-Laurent Aimard, dans le cadre de la série Piano**** ou de l' Académie Internationale de Côme en Italie. Il a notamment joué au Théâtre du Châtelet, Salle Gaveau, Salle Pleyel, Auditoriums de Lyon et du Musée d'Orsay, Salle Cortot,  de même qu'il participe régulièrement à diverses émissions sur France Musique, dont "Dans la cour des grands" de Gaëlle Le Gallic. A l'étranger, parallèlement à des récitals en Allemagne, Pologne, Brésil et Mexique, il a joué avec l'Orchestre de chambre de Lausanne, sous la direction de Jesus Lopez-Cobos, l'Orchestre National de Belgique et l'Orchestre de chambre de Wallonie, les Philharmoniques de Varsovie et Cracovie, le Tokyo Symphony, le Fortworth symphony aux USA, l'Orchestre de Trêves en Allemagne, le Philharmonique de Wuhan en Chine, le Symphonique de Liepaja en Lettonie. En mars dernier, il fait ses débuts à Saint-Pétersbourg avec l'orchestre du théâtre Mariinsky dans le concerto n°1 de Tchaïkovsky. En musique de chambre, il a donné aux Etats-Unis l'intégrale des Sonates pour violon et piano de Beethoven avec Stéphane Tran-Ngoc. Il se produit également en duo avec Julien Szulman, pour Radio-France, Helen Kearns pour la radio suisse-italienne à Lugano et avec le Quatuor Debussy dans le cadre de la Société de Musique de chambre de Lyon, ou encore au Musée d'Orsay. Enfin, avec Virginie Constant et Laurent Le Flécher, il a créé le Trio Elégiaque, dont le premier enregistrement (Dusapin-Messiaen) a été récompensé par un Diapason d'Or. Leur dernier disque, consacré à des compositeurs russes (Arensky, Rachmaninov, Rimsky-Korsakov), vient de paraître chez Triton. En avril 2011, le trio élégiaque a joué l'intégrale des trios de Beethoven  à l'Opéra Comique, à Paris. François Dumont se produira cet été au Festival Radio-France Montpellier (en direct sur France Musique le 14 juillet), Festival Chopin à Bagatelle, Festival "Chopin and his Europe" à Varsovie, Festival Messiaen de la Meije, Festival de Musique Polonaise à Cracovie, Festival de Rochebonne, Festival de Ljubljana en Slovénie, Kennedy Center à Washington. Ses projets d'enregistrements comprennent un nouveau disque consacré à Chopin ainsi que l'intégrale de l'oeuvre pour piano de Maurice Ravel.

Jean Françaix (1912−1997)                                           ->  biographie

Tema con variazioni (1974)

Pierre Génisson, le Festival de Pordic et Brittany Mélodies contribuent, à célébrer le centenaire de Jean Françaix (voir le site de la commémoration). 

Le centenaire de Jean Françaix, grand compositeur méconnu, par Jean-Michel Ogier :

 Jean Françaix aurait 100 ans. Lui qui fut en son temps le compositeur le plus joué de son vivant est très peu connu du grand public. Les festivités prévues cette année pour son centenaire seront l'occasion de réparer cette injustice. C'est à lui que l'on doit notamment la musique de "Si Versailles m'était conté" de Sacha Guitry.[…].Premier prix du Conservatoire de Paris à 18 ans, élève de Nadia Boulanger, Jean Françaix a connu très tôt le succès avec le "Concertino pour piano" composé à 20 ans. Il a laissé plus de 80 oeuvres musicales dont 12 opéras.

Johannes Brahms (1833−1897)

Sonate Op.120 N°2 en mi bémol majeur (1894)

Les deux Sonates pour clarinette (ou alto) et piano op. 120 de Johannes Brahms (1833-1897) sont les dernières œuvres de musique de chambre du compositeur allemand. Il les écrit pendant l'été 1894 (soit trois ans avant sa mort), après avoir développé, à partir de 1891, une amitié personnelle et musicale avec le clarinettiste Mühlfeld clarinette solo de l’orchestre de la Cour de Meiningen avec lequel Brahms collaborait étroitement depuis 1881. Brahms écrivit alors pour Mühlfeld le « trio pour clarinette, violoncelle et piano en la mineur op.114 », le « quintette pour clarinette en si mineur op.115 » qui furent représentés pour la première fois le 24 novembre 1891 par Brahms même à Meiningen. Ce même clarinettiste assurera, avec Brahms au piano, la création des deux Sonates pour clarinette et piano op.120 en novembre 1894, devant un public rassemblant notamment Clara Schumann et Joseph Joachim. Brahms en effectuera une transcription quelques mois plus tard pour l'alto (on parle parfois de Sonates pour alto et piano op.120), un instrument dont la tessiture est finalement assez proche de la clarinette et dont Brahms a trouvé la sonorité intime parfaitement adéquate pour ces deux œuvres où n'est fait nulle place à des effets de virtuosité.

Aimez-vous Brahms ? Un avocat autrichien de la défense : Arnold Schönberg.

Quelques extraits de Brahms le progressiste, article d’Arnold Schönberg :

On a dit que le comportement de Brahms était souvent celui d’un être peu sociable. Son comportement ne fut jamais en tout cas celui d’un « Brahms inconnu ». Tout Vienne était au courant de son habitude de se protéger, par une attitude rechignée, contre l’intrusion indésirable de toutes sortes de gens, contre la prétention douceâtre, la moite flatterie, la mielleuse impertinence (…) -> lire la suite…

Gioacchino Rossini (1792−1868)                                -> biographie

Introduction, thème et variations (1809)

Carl Maria von Weber (1786−1826)                           -> biographie

Concerto N°1 Op.73 (1811) (version avec piano)

Ce concerto fut achevé par Weber en 1811 pour le clarinettiste munichois Baermann. Si Weber dédia à ce dernier cinq de ses œuvres, c'est autant en raison de leur amitié que parce que la clarinette, par son timbre et ses possibilités dynamiques, répondait à son souci d'expression «romantique». En trois mouvements très contrastés, le 1er Concerto s'achève par un rondo à la polonaise.

Instrumentation : bois par deux (2 Flöten, 2 Oboen, 2 Fagotte, 2 Hörner in F, 2 Trompeten in F, Pauken, Solo-Klarinette B) Streicher.